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Robert Frank - The Americans Cowboys, busses, cars, fast food restaurants, flags, parades, these are recurring motifs in Robert Frank’s pictures of America, although regarded subjectively without euphemisms, showing things as they are. The Website - Albertina Museum dedicated a comprehensive solo retrospective tot he soon 94 years-old doyen iof street photography, with many oft he photographs that have become classics oin the meantime. In 1955, a Guggenheim grant allowed him to travel extensively through the US, accompanied by his young family. Out of the 27.000 negatives he made during these travels he chose 83, in black and white, for his photo book The Americans, published 1958 in Paris and 1959 in New York. At first slammed by critics as anti-American, it should later become one oft he mist influential publications in the history of photography. It shows the backside oft he American Dream, ist reality, it shows the shadows oft he county, ist inhabitants look lonely, melancholic, weary, sometimes suspicious. The distrustful expression on the faces of some of his models are partly due to his method. With his Leica 35 mm handheld camera, he developed a technique of taking quick snapshots without long arrangements. The steep angles, overexposures, tilted horizons and cut-off edges bear witness to his dynamic way of taking photographs spontaneously, without formal composition or asking for permission. The exhibition, curated by Walter Moser, sets out from longs before The Americans, showing photographs from the beginnings of Robert Frank’s career as well. In the 1970ies, Frank increasingly turned towards filming, returning to photography some years later, after the tragical death of his daughter in a plane crash in Guatemala in 1974. Her and her bother Pablo who committed suicide in 1994, are protagonists of the film Conversations in Vermont (1969). This and other films and videos by Robert Frank are shown by the Filmmuseum from the 10th until the 27th of November. The notorious Rolling Stones-documentary Cocksucker Blues is screened in mid-January due to legal restrictions. The biopic Robert Frank – Don’t Blink will be released in Austrian movie theatres from Nov. 10. (written by Cem Angeli) "Robert Frank" from October 25 until January 21 in the "Galleries for Photography" of the Albertina. Daily 10 am until 6 pm, wednesdays and fridays until 9 pm.

Robert Frank - The Americans Cowboys, busses, cars, fast food restaurants, flags, parades, these are recurring motifs in Robert Frank’s pictures of America, although regarded subjectively without euphemisms, showing things as they are. The Website - Albertina Museum dedicated a comprehensive solo retrospective tot he soon 94 years-old doyen iof street photography, with many oft he photographs that have become classics oin the meantime. In 1955, a Guggenheim grant allowed him to travel extensively through the US, accompanied by his young family. Out of the 27.000 negatives he made during these travels he chose 83, in black and white, for his photo book The Americans, published 1958 in Paris and 1959 in New York. At first slammed by critics as anti-American, it should later become one oft he mist influential publications in the history of photography. It shows the backside oft he American Dream, ist reality, it shows the shadows oft he county, ist inhabitants look lonely, melancholic, weary, sometimes suspicious. The distrustful expression on the faces of some of his models are partly due to his method. With his Leica 35 mm handheld camera, he developed a technique of taking quick snapshots without long arrangements. The steep angles, overexposures, tilted horizons and cut-off edges bear witness to his dynamic way of taking photographs spontaneously, without formal composition or asking for permission. The exhibition, curated by Walter Moser, sets out from longs before The Americans, showing photographs from the beginnings of Robert Frank’s career as well. In the 1970ies, Frank increasingly turned towards filming, returning to photography some years later, after the tragical death of his daughter in a plane crash in Guatemala in 1974. Her and her bother Pablo who committed suicide in 1994, are protagonists of the film Conversations in Vermont (1969). This and other films and videos by Robert Frank are shown by the Filmmuseum from the 10th until the 27th of November. The notorious Rolling Stones-documentary Cocksucker Blues is screened in mid-January due to legal restrictions. The biopic Robert Frank – Don’t Blink will be released in Austrian movie theatres from Nov. 10. (written by Cem Angeli) "Robert Frank" from October 25 until January 21 in the "Galleries for Photography" of the Albertina. Daily 10 am until 6 pm, wednesdays and fridays until 9 pm.

Robert Frank - The Americans Cowboys, Busse, Autos, Schnellrestaurants, Flaggen, Paraden - wiederkehrende Motive in Robert Franks Amerika-Bildern, allerdings mit einem ungeschönten, subjektiven Blick, der die Dinge ohne jegliche Romantik zeigt, wie sie sind. Dem demnächst 94jährigen Doyen der Street Photography ist in der Albertina eine umfassende Werkschau gewidmet, mit vielen seiner mittlerweile zu Klassikern gewordenen Fotos. 1955 ermöglichte ihm ein Guggenheim-Stipendium mehrere Reisen kreuz und quer durch die USA, in Begleitung seiner Familie, wo er etwa 27.000 Photos machte. 83 davon wurden in seinem Bildband The Americans 1958 abgedruckt. Anfänglich von der Kritik u.a. als anti-amerikanisch zerrissen, sollte dies eine der einflussreichsten Publikationen der Fotografiegeschichte werden. Es zeigt die Hinterseite der Fassade des American Dream, seine Realität, zeigt die –realen und metaphorischen- Schatten des Landes, seine Einwohner sehen einsam, melancholisch, misstrauisch aus. Der argwöhnische Gesichtsausdruck mancher seiner seiner Modelle verdankt sich auch seiner Methode, er entwickelte eine Technik des schnellen Schnappschusses mit seiner 35 mm-Leica Handkamera, mit der er den Augenblick ohne großes Arrangement einfangen konnte. Die steilen Aufnahmewinkel, Überbelichtungen, schiefen Horizonte und abgeschnittenen Bildränder zeugen von seiner dynamischen Art, ohne strenge Komposition oder um Erlaubnis zu fragen, spontan „aus der Hüfte“ zu fotografieren. Die von Walter Moser kuratierte Ausstellung in der Albertina setzt aber lange vor The Americans an und zeigt auch Fotos aus den Anfängen der Karriere Robert Franks. In den frühen 1970ern wandte sich Frank verstärkt dem Film zu, um sich dann einige Jahre später, nach dem Tod seiner Tochter bei einem Flugzeugunglück, wieder der Fotografie zu widmen. Sie und ihr Bruder Pablo, der sich 1994 das Leben nahm, sind im Film Conversations in Vermont (1969) zu sehen. Diesen und andere Filme und Videos von Frank zeigt das Filmmuseum von 10. bis 27. November, die berühmt-berüchtigte Rolling Stones-Doku Cocksucker Blues wird wegen rechtlicher Beschränkungen im Jänner gespielt. Ab 10.11. kommt die Filmbiografie Robert Frank - Don’t Blink in österreichische Kinosäle. (Text: Cem Angeli) "Robert Frank" von 25. Oktober bis 21. Jänner in den "Galleries for Photography" der Albertina. Täglich 10 bis 18, Mittwoch und Freitag bis 21 Uhr.

Robert Frank - The Americans Cowboys, Busse, Autos, Schnellrestaurants, Flaggen, Paraden - wiederkehrende Motive in Robert Franks Amerika-Bildern, allerdings mit einem ungeschönten, subjektiven Blick, der die Dinge ohne jegliche Romantik zeigt, wie sie sind. Dem demnächst 94jährigen Doyen der Street Photography ist in der Albertina eine umfassende Werkschau gewidmet, mit vielen seiner mittlerweile zu Klassikern gewordenen Fotos. 1955 ermöglichte ihm ein Guggenheim-Stipendium mehrere Reisen kreuz und quer durch die USA, in Begleitung seiner Familie, wo er etwa 27.000 Photos machte. 83 davon wurden in seinem Bildband The Americans 1958 abgedruckt. Anfänglich von der Kritik u.a. als anti-amerikanisch zerrissen, sollte dies eine der einflussreichsten Publikationen der Fotografiegeschichte werden. Es zeigt die Hinterseite der Fassade des American Dream, seine Realität, zeigt die –realen und metaphorischen- Schatten des Landes, seine Einwohner sehen einsam, melancholisch, misstrauisch aus. Der argwöhnische Gesichtsausdruck mancher seiner seiner Modelle verdankt sich auch seiner Methode, er entwickelte eine Technik des schnellen Schnappschusses mit seiner 35 mm-Leica Handkamera, mit der er den Augenblick ohne großes Arrangement einfangen konnte. Die steilen Aufnahmewinkel, Überbelichtungen, schiefen Horizonte und abgeschnittenen Bildränder zeugen von seiner dynamischen Art, ohne strenge Komposition oder um Erlaubnis zu fragen, spontan „aus der Hüfte“ zu fotografieren. Die von Walter Moser kuratierte Ausstellung in der Albertina setzt aber lange vor The Americans an und zeigt auch Fotos aus den Anfängen der Karriere Robert Franks. In den frühen 1970ern wandte sich Frank verstärkt dem Film zu, um sich dann einige Jahre später, nach dem Tod seiner Tochter bei einem Flugzeugunglück, wieder der Fotografie zu widmen. Sie und ihr Bruder Pablo, der sich 1994 das Leben nahm, sind im Film Conversations in Vermont (1969) zu sehen. Diesen und andere Filme und Videos von Frank zeigt das Filmmuseum von 10. bis 27. November, die berühmt-berüchtigte Rolling Stones-Doku Cocksucker Blues wird wegen rechtlicher Beschränkungen im Jänner gespielt. Ab 10.11. kommt die Filmbiografie Robert Frank - Don’t Blink in österreichische Kinosäle. (Text: Cem Angeli) "Robert Frank" von 25. Oktober bis 21. Jänner in den "Galleries for Photography" der Albertina. Täglich 10 bis 18, Mittwoch und Freitag bis 21 Uhr.

Gerhard Rühm - poet, composer, musician, visual artist and performer The Austrian poet, composer, musician, visual artist and performer Gerhard Rühm (*1930 Vienna) and his multifaceted oeuvre, spanning more than 6 decades, is the subject of the ongoing solo retrospective „Gerhard Rühm“ in the Bank Austria Kunstforum. Besides numerous solo exhibitions, his work was shown -among others- in the Stedelijk museum Amsterdam, the documenta in Kassel in 1977 and 1987, in the Schirn Kunsthalle Frankfurt, and in the Joanneum Graz. The Austrian National Library acquired his archive in 2012. In the 1950ies, Rühm founded the Vienna Group together with HC Artmann, Friedrich Achleitner, Oswald Wiener and Konrad Bayer. The group’s language scepticism and their experimental and performative apporach were a decisive influence on his work. Deconstruction and destruction are essential for Rühm’s oeuvre, at the beginning of the exhibition there is a photographic documentary about the performance „Piano Demolition“ of 1959, where Rühm and F. Achleitner smashed a grand piano on stage with an axe, during the „Literary Cabinet“ of the Vienna Group. However, the Vienna Group is not the main focus in the exhibition curated by Heike Eipeldauer. Ceaselessly transgressing borders, Rühm searches for an permanent expansion of language as a medium, in his graphic art, his literature, as well as in his musical work. At the boundaries between art disciplines he transforms print letters into pictures, handwriting into drawings, language into music. His « visual poetry » and its musical counterpart, graphically reworked « visual music » and his « auditive poetry » with piano pieces and chansons are part of the retrospective as well. Photographic and typographic collages, drawings and videos are on display, together with audio dramas and songs. As the son of a member of Vienna’s philharmonic orchestra, Rühm initially started in music; while studying piano and compositon he became interested in Jazz and twelve tone music, the principles and techniques of which he eventually started to apply to language and texts. Besides the anthology of the Vienna Group on display in the 2nd room of the exhibition, which made the language experiments of Rühm, Artmann, Achleitner, K. Bayer and O. Wiener of the Vienna Group famous, in the main hall there is a grand piano in a multi-media installation. Here visitors have the opportunity to participate, following the artist’s special instructions. By his language experiments Rühm searched to explore his own as well as language’s subconscious, he drew or painted blindly, or while falling asleep. His profound interest for the materiality of language as visual and phonetical material is evident in his word and sound designs, his drawings, photomontages, text objects, paper cuttings, musical scores and performances. In the last room of the exhibition visitors can recite sound poems, try automatic drawing or create typographies on an old typewrietr. The context of the avantgarde movements in the early 20th century and the influence that constructivism, dadaism, futurism, and surrealism had on Rühm and the Vienna Group, and how they developed these concepts further becomes comprehensible in the course of the exhibition. (written by Cem Angeli) Kunstforum Vienna, until Jan 28, 2018, daily 10 a.m. – 7 p.m., Fridays 10 a.m. – 9 p.m.

Gerhard Rühm - poet, composer, musician, visual artist and performer The Austrian poet, composer, musician, visual artist and performer Gerhard Rühm (*1930 Vienna) and his multifaceted oeuvre, spanning more than 6 decades, is the subject of the ongoing solo retrospective „Gerhard Rühm“ in the Bank Austria Kunstforum. Besides numerous solo exhibitions, his work was shown -among others- in the Stedelijk museum Amsterdam, the documenta in Kassel in 1977 and 1987, in the Schirn Kunsthalle Frankfurt, and in the Joanneum Graz. The Austrian National Library acquired his archive in 2012. In the 1950ies, Rühm founded the Vienna Group together with HC Artmann, Friedrich Achleitner, Oswald Wiener and Konrad Bayer. The group’s language scepticism and their experimental and performative apporach were a decisive influence on his work. Deconstruction and destruction are essential for Rühm’s oeuvre, at the beginning of the exhibition there is a photographic documentary about the performance „Piano Demolition“ of 1959, where Rühm and F. Achleitner smashed a grand piano on stage with an axe, during the „Literary Cabinet“ of the Vienna Group. However, the Vienna Group is not the main focus in the exhibition curated by Heike Eipeldauer. Ceaselessly transgressing borders, Rühm searches for an permanent expansion of language as a medium, in his graphic art, his literature, as well as in his musical work. At the boundaries between art disciplines he transforms print letters into pictures, handwriting into drawings, language into music. His « visual poetry » and its musical counterpart, graphically reworked « visual music » and his « auditive poetry » with piano pieces and chansons are part of the retrospective as well. Photographic and typographic collages, drawings and videos are on display, together with audio dramas and songs. As the son of a member of Vienna’s philharmonic orchestra, Rühm initially started in music; while studying piano and compositon he became interested in Jazz and twelve tone music, the principles and techniques of which he eventually started to apply to language and texts. Besides the anthology of the Vienna Group on display in the 2nd room of the exhibition, which made the language experiments of Rühm, Artmann, Achleitner, K. Bayer and O. Wiener of the Vienna Group famous, in the main hall there is a grand piano in a multi-media installation. Here visitors have the opportunity to participate, following the artist’s special instructions. By his language experiments Rühm searched to explore his own as well as language’s subconscious, he drew or painted blindly, or while falling asleep. His profound interest for the materiality of language as visual and phonetical material is evident in his word and sound designs, his drawings, photomontages, text objects, paper cuttings, musical scores and performances. In the last room of the exhibition visitors can recite sound poems, try automatic drawing or create typographies on an old typewrietr. The context of the avantgarde movements in the early 20th century and the influence that constructivism, dadaism, futurism, and surrealism had on Rühm and the Vienna Group, and how they developed these concepts further becomes comprehensible in the course of the exhibition. (written by Cem Angeli) Kunstforum Vienna, until Jan 28, 2018, daily 10 a.m. – 7 p.m., Fridays 10 a.m. – 9 p.m.

Gerhard Rühm - Poet, Komponist, Musiker, bildender Künstler und Performer Der österreichische Poet, Komponist, Musiker, bildende Künstler und Performer Gerhard Rühm (*1930 in Wien) steht derzeit mit seinem vielseitigen, mehr als sechs Jahrzehnte umspannenden Werk im Zentrum der Personale „Gerhard Rühm“ im Kunstforum der Bank Austria. Neben zahlreichen Einzelausstellungen waren seine Arbeiten u.a. im Amsterdamer Stedelijk Museum, auf der Kasseler documenta 1977 und 1987, in der Frankfurter Schirn Kunsthalle und im Joanneum Graz zu sehen. 2012 erwarb die Österreichische Nationalbibliothek Rühms Vorlass. Rühm war in den 1950ern zusammen mit HC Artmann, Friedrich Achleitner, Oswald Wiener und Konrad Bayer Mitbegründer der Wiener Gruppe, deren Sprachskepsis und experimentell-performativer Ansatz Rühms Werk entscheidend geprägt hat. Dekonstruktion bzw. Zerstörung sind wesentlich für Rühms Œuvre, so ist gleich am Anfang der Ausstellung eine Fotodokumentation über die Performance « Klavierzertrümmerung » von 1959 zu sehen, bei der Rühm und F. Achleitner im Rahmen des « Literarischen Kabinetts » der Wiener Gruppe einen Konzertflügel auf offener Bühne mit Axthieben zertrümmerten. Die Wiener Gruppe selbst steht jedoch in der Auswahl von Kuratorin Heike Eipeldauer nicht unbedingt im Mittelpunkt. Als permanenter Grenzüberschreiter sucht Rühm in seinem grafischen, aber auch musikalischen und literarischen Werk die ständige Erweiterung des Mediums «Sprache». An den Grenzen zwischen Kunstdisziplinen verwandelt er Druckschrift in Bilder, Handschrift in Zeichnungen, Sprache in Musik. Seine „visuelle poesie“ und ihr musikalisches Gegenstück, die grafisch bearbeitete „visuelle musik“, und auch seine „auditive poesie“ mit Klavierstücken und Chansons sind ebenfalls Teil der Werkschau. Foto- und Typografiecollagen, Zeichnungen, Videos sind zu sehen, Hörspiele oder Chansons zu hören. Rühm war als Sohn eines Philharmonikers ursprünglich von der Musik ausgegangen, und hatte sich während seines Klavier- und Kompositionsstudiums für Jazz und auch Zwölftonmusik interessiert, deren Prinzipien und Techniken er auf Sprache, auf Texte anwandte. Neben der „Wiener Gruppe“-Anthologie im zweiten Raum der Schau, mit der die Sprachexperimente von Rühm, H.C. Artmann, F. Achleitner, Konrad Bayer und Oswald Wiener bekannt wurden, gibt es im Hauptraum einen in einer Multimedia-Installation aufgestellten Flügel. Mit speziellen Handlungsanleitungen des Künstlers werden die Besucher zum Mitmachen animiert. Bei seinen Sprach-Versuchsanordnungen suchte er den Zugang zu seinem eigenen- und dem Unbewussten der Sprache selbst, er zeichnete oder malte blind, oder während des Einschlafens. Sein tiefgehendes Interesse an der Materialität der Sprache als visuelles und phonetisches Material zeigen seine Wort- und Lautgestaltungen, Zeichnungen, Fotomontagen, Text-Objekte, Scherenschnitte, Partituren und Performances. Im letzten Raum der Ausstellung können auch die Besucher Lautgedichte rezitieren, sich an automatischen Zeichnungen versuchen oder Typografien auf einer alten Schreibmaschine erschaffen. Der Kontext der internationalen Avantgardebewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und der Einfluss, den Konstruktivismus, Futurismus, Surrealismus und Dadaismus auf Rühm, aber auch die Wiener Gruppe hatten, und wie sie die jeweiligen Ansätze weiterentwickelten, wird in der Ausstellung im Kunstforum ebenso sichtbar. (Text: Cem Angeli) Kunstforum Wien, bis 28.1.2018, tägl. 10h-19h, Fr. 10h-21h.

Gerhard Rühm - Poet, Komponist, Musiker, bildender Künstler und Performer Der österreichische Poet, Komponist, Musiker, bildende Künstler und Performer Gerhard Rühm (*1930 in Wien) steht derzeit mit seinem vielseitigen, mehr als sechs Jahrzehnte umspannenden Werk im Zentrum der Personale „Gerhard Rühm“ im Kunstforum der Bank Austria. Neben zahlreichen Einzelausstellungen waren seine Arbeiten u.a. im Amsterdamer Stedelijk Museum, auf der Kasseler documenta 1977 und 1987, in der Frankfurter Schirn Kunsthalle und im Joanneum Graz zu sehen. 2012 erwarb die Österreichische Nationalbibliothek Rühms Vorlass. Rühm war in den 1950ern zusammen mit HC Artmann, Friedrich Achleitner, Oswald Wiener und Konrad Bayer Mitbegründer der Wiener Gruppe, deren Sprachskepsis und experimentell-performativer Ansatz Rühms Werk entscheidend geprägt hat. Dekonstruktion bzw. Zerstörung sind wesentlich für Rühms Œuvre, so ist gleich am Anfang der Ausstellung eine Fotodokumentation über die Performance « Klavierzertrümmerung » von 1959 zu sehen, bei der Rühm und F. Achleitner im Rahmen des « Literarischen Kabinetts » der Wiener Gruppe einen Konzertflügel auf offener Bühne mit Axthieben zertrümmerten. Die Wiener Gruppe selbst steht jedoch in der Auswahl von Kuratorin Heike Eipeldauer nicht unbedingt im Mittelpunkt. Als permanenter Grenzüberschreiter sucht Rühm in seinem grafischen, aber auch musikalischen und literarischen Werk die ständige Erweiterung des Mediums «Sprache». An den Grenzen zwischen Kunstdisziplinen verwandelt er Druckschrift in Bilder, Handschrift in Zeichnungen, Sprache in Musik. Seine „visuelle poesie“ und ihr musikalisches Gegenstück, die grafisch bearbeitete „visuelle musik“, und auch seine „auditive poesie“ mit Klavierstücken und Chansons sind ebenfalls Teil der Werkschau. Foto- und Typografiecollagen, Zeichnungen, Videos sind zu sehen, Hörspiele oder Chansons zu hören. Rühm war als Sohn eines Philharmonikers ursprünglich von der Musik ausgegangen, und hatte sich während seines Klavier- und Kompositionsstudiums für Jazz und auch Zwölftonmusik interessiert, deren Prinzipien und Techniken er auf Sprache, auf Texte anwandte. Neben der „Wiener Gruppe“-Anthologie im zweiten Raum der Schau, mit der die Sprachexperimente von Rühm, H.C. Artmann, F. Achleitner, Konrad Bayer und Oswald Wiener bekannt wurden, gibt es im Hauptraum einen in einer Multimedia-Installation aufgestellten Flügel. Mit speziellen Handlungsanleitungen des Künstlers werden die Besucher zum Mitmachen animiert. Bei seinen Sprach-Versuchsanordnungen suchte er den Zugang zu seinem eigenen- und dem Unbewussten der Sprache selbst, er zeichnete oder malte blind, oder während des Einschlafens. Sein tiefgehendes Interesse an der Materialität der Sprache als visuelles und phonetisches Material zeigen seine Wort- und Lautgestaltungen, Zeichnungen, Fotomontagen, Text-Objekte, Scherenschnitte, Partituren und Performances. Im letzten Raum der Ausstellung können auch die Besucher Lautgedichte rezitieren, sich an automatischen Zeichnungen versuchen oder Typografien auf einer alten Schreibmaschine erschaffen. Der Kontext der internationalen Avantgardebewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und der Einfluss, den Konstruktivismus, Futurismus, Surrealismus und Dadaismus auf Rühm, aber auch die Wiener Gruppe hatten, und wie sie die jeweiligen Ansätze weiterentwickelten, wird in der Ausstellung im Kunstforum ebenso sichtbar. (Text: Cem Angeli) Kunstforum Wien, bis 28.1.2018, tägl. 10h-19h, Fr. 10h-21h.

Sigmund Freud Museum 2020 «Whatever makes for cultural development is working also against war.» (Sigmund Freud in a letter to Albert Einstein, 1932) For half a century, Sigmund Freud lived and worked at Vienna’s Berggasse 19, before being forced to flee the Nazis into exile in London in 1938. It was here that he ran his world-famous practice, founding the new science of psychoanalysis and authoring his groundbreaking works. Thanks to Freud’s importance as a twentieth-century pioneer, what began as a little commemorative site became a place of international fame: Since 1971, this historical building – Berggasse 19 – has been home to the Sigmund Freud Museum, that attracts more than 100,000 visitors from all over the world every year. Along with an extensive archive, the Museum also runs Europe’s biggest specialist library on psychoanalysis. Now urgent action is required in order to preserve the Sigmund Freud Museum. After years of negotiations, with the aid of the City of Vienna and the Ministry of Culture the Sigmund Freud Museum now has the golden opportunity to save this unique cultural heritage and adapt it to meet international museum standards. To achieve this goal, we still need to raise 900,000 euros out of a total of just under 4 million euros. We hope to raise part of this sum – at least 80,000 euros – with your help in order to be able to carry out the necessary measures by 2020. Support the Sigmund Freud Museum 2020 and find out more at -> freud.wemakeit.com A CastYourArt production | www.castyourart.com Illustration by Stefanie Hilgarth | www.illuqueen.com

Sigmund Freud Museum 2020 «Whatever makes for cultural development is working also against war.» (Sigmund Freud in a letter to Albert Einstein, 1932) For half a century, Sigmund Freud lived and worked at Vienna’s Berggasse 19, before being forced to flee the Nazis into exile in London in 1938. It was here that he ran his world-famous practice, founding the new science of psychoanalysis and authoring his groundbreaking works. Thanks to Freud’s importance as a twentieth-century pioneer, what began as a little commemorative site became a place of international fame: Since 1971, this historical building – Berggasse 19 – has been home to the Sigmund Freud Museum, that attracts more than 100,000 visitors from all over the world every year. Along with an extensive archive, the Museum also runs Europe’s biggest specialist library on psychoanalysis. Now urgent action is required in order to preserve the Sigmund Freud Museum. After years of negotiations, with the aid of the City of Vienna and the Ministry of Culture the Sigmund Freud Museum now has the golden opportunity to save this unique cultural heritage and adapt it to meet international museum standards. To achieve this goal, we still need to raise 900,000 euros out of a total of just under 4 million euros. We hope to raise part of this sum – at least 80,000 euros – with your help in order to be able to carry out the necessary measures by 2020. Support the Sigmund Freud Museum 2020 and find out more at -> freud.wemakeit.com A CastYourArt production | www.castyourart.com Illustration by Stefanie Hilgarth | www.illuqueen.com

Sigmund Freud Museum 2020 «Alles, was die Kulturentwicklung fördert, arbeitet auch gegen den Krieg.» (Sigmund Freud in einem Brief an Albert Einstein, 1932) Ein halbes Jahrhundert lang lebte und arbeitete Sigmund Freud in der Wiener Berggasse 19, bis er 1938 vor den Nationalsozialisten ins Londoner Exil fliehen musste. Hier führte er seine weltberühmte Praxis, begründete die neue Wissenschaft der Psychoanalyse und verfasste seine bahnbrechenden Werke. Was als kleiner Gedenkort seinen Anfang nahm, wurde durch die Bedeutung Freuds als Pionier des 20. Jahrhunderts zu einer international bekannten Adresse: Seit 1971 befindet sich an dem geschichtsträchtigen Ort «Berggasse 19» das Sigmund Freud Museum, das jährlich über 100.000 BesucherInnen aus aller Welt anzieht und neben einem umfassenden Archiv Europas größte Fachbibliothek zur Psychoanalyse beherbergt. Jetzt besteht dringender Handlungsbedarf, um das Sigmund Freud Museum zu erhalten: Nach mehrjährigen Verhandlungen bietet sich nun die einmalige Chance, mithilfe der Stadt Wien und des Kulturministeriums dieses einzigartige Kulturerbe zu retten und an internationale Museumsstandards heranzuführen. Um dieses Ziel zu erreichen, fehlen dem Sigmund Freud Museum von insgesamt knapp 4 Millionen Euro noch 900.000,- Euro. Einen Teil davon – mindestens 80.000,- Euro – möchten wir mit eurer Hilfe über Crowdfunding aufbringen, damit die notwendigen Schritte bis 2020 tatsächlich realisiert werden können! Deine Unterstützung zählt! Hilf mit beim Crowdfunding unter: freud.wemakeit.com A CastYourArt production | www.castyourart.com Illustration by Stefanie Hilgarth | www.illuqueen.com

Sigmund Freud Museum 2020 «Alles, was die Kulturentwicklung fördert, arbeitet auch gegen den Krieg.» (Sigmund Freud in einem Brief an Albert Einstein, 1932) Ein halbes Jahrhundert lang lebte und arbeitete Sigmund Freud in der Wiener Berggasse 19, bis er 1938 vor den Nationalsozialisten ins Londoner Exil fliehen musste. Hier führte er seine weltberühmte Praxis, begründete die neue Wissenschaft der Psychoanalyse und verfasste seine bahnbrechenden Werke. Was als kleiner Gedenkort seinen Anfang nahm, wurde durch die Bedeutung Freuds als Pionier des 20. Jahrhunderts zu einer international bekannten Adresse: Seit 1971 befindet sich an dem geschichtsträchtigen Ort «Berggasse 19» das Sigmund Freud Museum, das jährlich über 100.000 BesucherInnen aus aller Welt anzieht und neben einem umfassenden Archiv Europas größte Fachbibliothek zur Psychoanalyse beherbergt. Jetzt besteht dringender Handlungsbedarf, um das Sigmund Freud Museum zu erhalten: Nach mehrjährigen Verhandlungen bietet sich nun die einmalige Chance, mithilfe der Stadt Wien und des Kulturministeriums dieses einzigartige Kulturerbe zu retten und an internationale Museumsstandards heranzuführen. Um dieses Ziel zu erreichen, fehlen dem Sigmund Freud Museum von insgesamt knapp 4 Millionen Euro noch 900.000,- Euro. Einen Teil davon – mindestens 80.000,- Euro – möchten wir mit eurer Hilfe über Crowdfunding aufbringen, damit die notwendigen Schritte bis 2020 tatsächlich realisiert werden können! Deine Unterstützung zählt! Hilf mit beim Crowdfunding unter: freud.wemakeit.com A CastYourArt production | www.castyourart.com Illustration by Stefanie Hilgarth | www.illuqueen.com

RAPHAEL - A universal genius of the High Renaissance „Raphael was a very economical draughtsman who was able to convey great emotions with just a few outlines“ says Achim Gnann, art historian and expert for Italian art between the 15th and 19th century who curated the new exhibition in the Albertina, working on the preparations for five years. The show includes 130 drawings and 18 paintings, among them loans from the Louvre, the Vatican museum, the Uffizi in Florence and the Ashmolean Museum of Oxford. The retrospective includes the most important creative periods of the prematurely deceased master (1483-1520), mainly focusing on his creative process, from the first draft to the finished painting. Among them there is the Madonna dell' Impannata from the Palazzo Pitti, restored with the support of the Albertina. The portrait of the client who commissioned the painting, the Roman banker Bindo Altoviti, is reproduced on the billboard and catalogue of this exhibition. Born in the small town Urbino, Raffaello Sanzio became an apprentice with Pietro Vannucci, known as Perugino, at the early age of 11. Later in Florence, he was commissioned with portraits and pictures of the Virgin Mary by wealthy patrons. One of the most famous of these Madonna paintings is the Sistine Madonna, today in the collection of the Dresden picture gallery. Raphael who had a very successful career, worked in Umbria, Florence and finally in Rome, with orders by princes, businessmen and popes. He decorated the Stanze, the private rooms of pope Julius II in the Vatican palace, later he was in charge of the enlargement works at St. Peter and architect of the papal palace. Since its foundation in 1776, the Albertina possesses about 50 works by Raphael, in this exhibition the focus is on his drawings, his drafts and his meticulous detailed studies. Rather than artworks in their own right, he considered them as auxiliary for the paintings and also as practical instructions for his numerous assistants. The development of Raphael’s career and his working procedure as well as the creation of his subjects are presented in a wider context in this chronologically arranged exhibition. Several mural paintings are on display as reproductions or projections next to the corresponding drawings. A self portrait is on loan from the Uffizi, and from the Louvre in Paris Saint George and the Dragon (1505), and the Madonna with the Blue Diadem (1511). Often there are detailed studies on display, like hand studies or meticulous face- body and composition sketches. They were essential for Raphael’s creative process. The exhibition provides a glimpse of this step by step- procedure. In the case of the Massacre of the Innocents, some changes on the composition sketches are visible, this topic seems to have been developed from a study for The Judgment of Solomon. The exhibition concludes with his last painting, Transfiguration, made between 1516 and 1520. Sketches of heads and hands for the apostles give an idea of the development of the picture composition, providing an insight into the creative process of one of the most influential artists of European history. (written by Cem Angeli) Albertina Museum | www.albertina.at A CastYourArt production | www.castyourart.com

RAPHAEL - A universal genius of the High Renaissance „Raphael was a very economical draughtsman who was able to convey great emotions with just a few outlines“ says Achim Gnann, art historian and expert for Italian art between the 15th and 19th century who curated the new exhibition in the Albertina, working on the preparations for five years. The show includes 130 drawings and 18 paintings, among them loans from the Louvre, the Vatican museum, the Uffizi in Florence and the Ashmolean Museum of Oxford. The retrospective includes the most important creative periods of the prematurely deceased master (1483-1520), mainly focusing on his creative process, from the first draft to the finished painting. Among them there is the Madonna dell' Impannata from the Palazzo Pitti, restored with the support of the Albertina. The portrait of the client who commissioned the painting, the Roman banker Bindo Altoviti, is reproduced on the billboard and catalogue of this exhibition. Born in the small town Urbino, Raffaello Sanzio became an apprentice with Pietro Vannucci, known as Perugino, at the early age of 11. Later in Florence, he was commissioned with portraits and pictures of the Virgin Mary by wealthy patrons. One of the most famous of these Madonna paintings is the Sistine Madonna, today in the collection of the Dresden picture gallery. Raphael who had a very successful career, worked in Umbria, Florence and finally in Rome, with orders by princes, businessmen and popes. He decorated the Stanze, the private rooms of pope Julius II in the Vatican palace, later he was in charge of the enlargement works at St. Peter and architect of the papal palace. Since its foundation in 1776, the Albertina possesses about 50 works by Raphael, in this exhibition the focus is on his drawings, his drafts and his meticulous detailed studies. Rather than artworks in their own right, he considered them as auxiliary for the paintings and also as practical instructions for his numerous assistants. The development of Raphael’s career and his working procedure as well as the creation of his subjects are presented in a wider context in this chronologically arranged exhibition. Several mural paintings are on display as reproductions or projections next to the corresponding drawings. A self portrait is on loan from the Uffizi, and from the Louvre in Paris Saint George and the Dragon (1505), and the Madonna with the Blue Diadem (1511). Often there are detailed studies on display, like hand studies or meticulous face- body and composition sketches. They were essential for Raphael’s creative process. The exhibition provides a glimpse of this step by step- procedure. In the case of the Massacre of the Innocents, some changes on the composition sketches are visible, this topic seems to have been developed from a study for The Judgment of Solomon. The exhibition concludes with his last painting, Transfiguration, made between 1516 and 1520. Sketches of heads and hands for the apostles give an idea of the development of the picture composition, providing an insight into the creative process of one of the most influential artists of European history. (written by Cem Angeli) Albertina Museum | www.albertina.at A CastYourArt production | www.castyourart.com

RAFFAEL - Ein Universalgenie der Hochrenaissance „Raffael war ein wahnsinnig ökonomischer Zeichner, der große Emotionen mit nur wenigen Strichen umsetzen konnte“, so Achim Gnann, Kunsthistoriker und Experte für die italienische Kunst des 15. bis 19. Jahrhunderts, der fünf Jahre an der Konzeption der neuen Ausstellung in der Albertina gearbeitet hat. Diese umfasst rund 130 Zeichnungen und 18 Gemälde, darunter Leihgaben aus dem Louvre, dem Vatikanischen Museum, den Uffizien in Florenz und dem Ashmolean Museum in Oxford. In Fokus dieser Werkschau mit den wichtigsten Schaffensperioden des früh verstorbenen Meisters (1483-1520) steht vor allem sein Arbeitsprozess, von der ersten Skizze bis zum fertigen Gemälde. Unter diesen befindet sich auch die „Madonna dell' Impannata“ aus dem Palazzo Pitti, die mit Unterstützung der Albertina restauriert wurde. Das Porträt des Auftraggebers für dieses Bild, der römische Bankier Bindo Altoviti, ist auf dem Plakat und Katalog der Ausstellung abgebildet. Geboren in der Kleinstadt Urbino, war Raffaello Sanzio bereits mit elf Jahren Lehrling bei Pietro Vannucci, genannt Perugino. In Florenz wurde er später von Mäzenen u.a. mit Porträts und Madonnenbildern beauftragt, wobei eine der berühmtesten die "Sixtinische Madonna“ ist, sie heute in der Dresdner Gemäldegalerie zu finden. Der viel beschäftigte Raffael, der in Umbrien, Florenz und zuletzt in Rom tätig war, hatte Aufträge von Fürsten, Geschäftsleuten und Päpsten, er übernahm die Gestaltung der Stanzen, -der Privatgemächer von Papst Julius II- im Palast des Vatikan und wurde später zum Leiter des Fortbaus des Petersdoms sowie zum Baumeister des päpstlichen Palastes ernannt. Die Albertina besitzt seit ihrer Gründung 1776 an die 50 Werke des Meisters, in dieser Schau liegt ein Schwerpunkt auf Raffaels Zeichnungen, seinen Skizzen und akribischen Detailstudien. Weniger als eigenständige Werke, waren diese ihm eher Hilfsmittel im Hinblick auf das spätere Gemälde, sowie anschauliche Instruktion für die Mitarbeiter seiner Werkstatt. Die Entwicklung von Raffaels Karriere und seine einzelnen Arbeitsschritte, die Entstehung seiner Sujets, werden in einem größeren Werkkontext in der chronologisch angeordneten Schau vorgestellt. Wandbilder sind neben den sie betreffenden Zeichnungen oft ausschnitthaft reproduziert oder als Projektionen zu sehen. Aus den Uffizien wurde ein Selbstporträt von 1506 ausgeliehen, vom Louvre die „Madonna mit blauem Diadem“ (1511) und der „Heilige Georg und der Drachen“ (1505). Oft gibt es Detailstudien, etwa von Händen - präzise Körperstudien, Gesichts- und Kompositionsstudien waren essentiell für Raffaels Schaffensprozess. Diese sind in der Schau Schritt für Schritt nachvollziehbar. Beim „Kindermord von Bethlehem“ sind Veränderungen an den Kompositionsskizzen zu erkennen, dieses Sujet ging aus einer Studie für „Das Urteil des Salomo“ hervor. Am Ende der Ausstellung steht sein letztes Gemälde, die „Transfiguration“, entstanden zwischen 1516 und 1520. Hier sind es Kopf- und Handstudien für die Apostel, die Entstehung und Verlauf der Bildkomposition nachvollziehbar machen und einen Einblick in den Schaffensprozess von einem der einflussreichsten Künstler der Renaissance gewähren. (written by Cem Angeli) Albertina Museum | www.albertina.at Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com