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Nuriel Molcho about Keith Haring and street art Keith Haring made his way from drawing graffiti in the New York subways to the big museums worldwide. He is a role model for many young street artists today who donate their art to the public and dream of being as successful as Keith Haring. On the occasion of the "Keith Haring" exhibition at Albertina Museum in Vienna, we visited Nuriel Molcho, a street art collector, at Naschmarkt and talked about graffiti and Haring. Albertina Museum | www.albertina.at A CastYourArt Production | www.castyourart.com

What is behind the horizon? How does the picture continue left and right of the edge ? What else is there ? Axel Hütte’s pictures awaken the desire in the viewer to be able to recognize more. Axel Hütte (born 1951 in Essen, Germany) is one of the leading protagonists of contemporary landscape photography. According to the curator of the exhibition, Florian Steininger, he contributed essentially to the self confidence of photography as a medium in visual arts after the 1970ies. . Axel Hütte was a student of Bernd and Hilla Becher, founders of the Düsseldorf school of Photography. The school had a profound influence on international photography, eminent representatives were colleagues of Hütte, like Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff and Thomas Struth. Hütte’s work is exhibited in museums and galleries around the world since 1979. Kunsthalle Krems now presents the first comprehensive solo exhibition of Axel Hütte’s oeuvre in Austria. The show displays a dialogue between older work cycles and newer groups of photographs. A series of works was especially created for the Kunsthalle Krems exhibition - photographs of imperial rooms and buildings in Austria: Stift Melk, Stift Admont, Stift Altenburg, the Belvedere, Prince Eugene’s winter palais, and the Hotel Sacher. There are also two recent video works by the artist in the show, as well a portrait photographs, among them of artists like Jeff Koons, Albert Oehlen, or Katharina Fritsch. Ever since his first series of landscapes, Hütte’s work revolves around the broad lines of an autonomous esthetic. Landscape is a relatively unusual genre in contemporary art, his evidently pictorial style defines his work, over time it has become his trademark. Like the great landscape masters, Axel Hütte takes the landscapes out of their context, he structured the image section in several levels and in clearly structured fields. The feeling of an absence of limits and the fragility of material boundaries are characteristical of Hütte’s landscape images which avoid all loud visual sensations. In his photographs, Hütte tries to capture the unattainable in nature. His enormous formats of formal perfection and unusual detail renounce to any human presence, deconstructing reality to an almost abstract vision. In his work, the traits of nature border the abstract, in these humanless, peaceful landscapes there are still traces of something reminding of a northern romanticism. Hütte claims not to be a romantic, even if he plays with the elements of Romantic painting – clouds and fog. He wants to capture „what never has been captured“, capture the reality that is only readable between the lines. At times Hütte travels thousand of kilometers with his heavy camera equipment in order to capture his motifs. Some of the sceneries with their dense atmospheres and unusual perspectives remind of landscape paintings of the Far East. When viewing these works, those who want could even speculate about references to art history, trying to find similarities to masters of European landscape painting, like William Turner or Caspar David Friedrich In these landscapes as heavy as lead, without any presence besides the vague outlines of the natural environment, Hütte nevertheless tries to « avoid abstraction », in his own words, and even though he gets very close to it, according to him photographs should not be a complete documentation but an exploration of the unreachable. For Axel Hütte, photography is like a language in which many things a´remain unspeakable, but the gaps and blank spaces are filled by the imagination, heightening the viewer’s awareness. The exhibition is open until the 10th of June 2018. (written by Cem Angeli)

What is behind the horizon? How does the picture continue left and right of the edge ? What else is there ? Axel Hütte’s pictures awaken the desire in the viewer to be able to recognize more. Axel Hütte (born 1951 in Essen, Germany) is one of the leading protagonists of contemporary landscape photography. According to the curator of the exhibition, Florian Steininger, he contributed essentially to the self confidence of photography as a medium in visual arts after the 1970ies. . Axel Hütte was a student of Bernd and Hilla Becher, founders of the Düsseldorf school of Photography. The school had a profound influence on international photography, eminent representatives were colleagues of Hütte, like Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff and Thomas Struth. Hütte’s work is exhibited in museums and galleries around the world since 1979. Kunsthalle Krems now presents the first comprehensive solo exhibition of Axel Hütte’s oeuvre in Austria. The show displays a dialogue between older work cycles and newer groups of photographs. A series of works was especially created for the Kunsthalle Krems exhibition - photographs of imperial rooms and buildings in Austria: Stift Melk, Stift Admont, Stift Altenburg, the Belvedere, Prince Eugene’s winter palais, and the Hotel Sacher. There are also two recent video works by the artist in the show, as well a portrait photographs, among them of artists like Jeff Koons, Albert Oehlen, or Katharina Fritsch. Ever since his first series of landscapes, Hütte’s work revolves around the broad lines of an autonomous esthetic. Landscape is a relatively unusual genre in contemporary art, his evidently pictorial style defines his work, over time it has become his trademark. Like the great landscape masters, Axel Hütte takes the landscapes out of their context, he structured the image section in several levels and in clearly structured fields. The feeling of an absence of limits and the fragility of material boundaries are characteristical of Hütte’s landscape images which avoid all loud visual sensations. In his photographs, Hütte tries to capture the unattainable in nature. His enormous formats of formal perfection and unusual detail renounce to any human presence, deconstructing reality to an almost abstract vision. In his work, the traits of nature border the abstract, in these humanless, peaceful landscapes there are still traces of something reminding of a northern romanticism. Hütte claims not to be a romantic, even if he plays with the elements of Romantic painting – clouds and fog. He wants to capture „what never has been captured“, capture the reality that is only readable between the lines. At times Hütte travels thousand of kilometers with his heavy camera equipment in order to capture his motifs. Some of the sceneries with their dense atmospheres and unusual perspectives remind of landscape paintings of the Far East. When viewing these works, those who want could even speculate about references to art history, trying to find similarities to masters of European landscape painting, like William Turner or Caspar David Friedrich In these landscapes as heavy as lead, without any presence besides the vague outlines of the natural environment, Hütte nevertheless tries to « avoid abstraction », in his own words, and even though he gets very close to it, according to him photographs should not be a complete documentation but an exploration of the unreachable. For Axel Hütte, photography is like a language in which many things a´remain unspeakable, but the gaps and blank spaces are filled by the imagination, heightening the viewer’s awareness. The exhibition is open until the 10th of June 2018. (written by Cem Angeli)

Nuriel Molcho über Graffiti und Keith Haring Keith Haring hat mit seiner Kunst im öffentlichen Raum als Graffiti Künstler begonnen und es von dort in die großen Museen der Welt geschafft. So ist er in Vorbild für viele Künstler, die heute Ihre Kunst im öffentlichen Raum der Gesellschaft schenken und oftmals davon träumen, dass es ihre Kunst ins Museum schaffen wird. Wir haben anlässlich der Ausstellung "Keith Haring" im Albertina Museum in Wien Nuriel Molcho vom Neni am Naschmarkt besucht und über Graffiti Kunst und Haring gesprochen. Albertina Museum | albertina.at Eine CastYourArt Produktion | castyourart.com

Nuriel Molcho über Graffiti und Keith Haring Keith Haring hat mit seiner Kunst im öffentlichen Raum als Graffiti Künstler begonnen und es von dort in die großen Museen der Welt geschafft. So ist er in Vorbild für viele Künstler, die heute Ihre Kunst im öffentlichen Raum der Gesellschaft schenken und oftmals davon träumen, dass es ihre Kunst ins Museum schaffen wird. Wir haben anlässlich der Ausstellung "Keith Haring" im Albertina Museum in Wien Nuriel Molcho vom Neni am Naschmarkt besucht und über Graffiti Kunst und Haring gesprochen. Albertina Museum | albertina.at Eine CastYourArt Produktion | castyourart.com

Johannes Heuer - Just No Painting "Just No Painting" is the title of the exhibition by installation-, object-, videoartist, performer, painter, watercolorist, draughtsman and - painter Johannes Heuer. New and never before presented works of the artist will be on display at C.A. Contemporary gallery in Vienna. In addition to objects and double-sided smaler formats there will also be some big format paintings. We visited Johannes Heuer in his atelier and produced a short film about his work. The exhibition "Johannes Heuer - Just No Painting" at CA Contemporary in Vienna is going to open on the 20. April 2018. His works will be on display till 30. May 2018. CA Contemporary | www.cacontemporary.com Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com

Johannes Heuer - Just No Painting "Just No Painting" is the title of the exhibition by installation-, object-, videoartist, performer, painter, watercolorist, draughtsman and - painter Johannes Heuer. New and never before presented works of the artist will be on display at C.A. Contemporary gallery in Vienna. In addition to objects and double-sided smaler formats there will also be some big format paintings. We visited Johannes Heuer in his atelier and produced a short film about his work. The exhibition "Johannes Heuer - Just No Painting" at CA Contemporary in Vienna is going to open on the 20. April 2018. His works will be on display till 30. May 2018. CA Contemporary | www.cacontemporary.com Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com

Johannes Heuer - Nur nicht malen "Nur nicht malen": Unter diesem Titel stellt der Installations- Video- und Objektkünstler, Performer, Aquarellist, Zeichner und Maler Johannes Heuer in der Wiener Galerie C.A. Contemporary neue und bisher nicht gezeigte Arbeiten aus. Neben Objektkunst und zweiseitigen Kleinformaten in Mischtechnik werden auch grossformatige Tafelbilder zu sehen sein, die trotz Heuers originellem Zugang mit Fug und Recht als wichtige und höchst eigenständige Positionen der zeitgenössischen Malerei gelten können. Wir haben ihn in seinem Atelier in der Wiener Ankerbrotfabrik besucht und dazu befragt. Die Ausstellung "Johannes Heuer - Nur nicht malen" bei CA Contemporary in Wien öffnet am 20. April und läuft bis zum 30. Mai 2018. CA Contemporary | www.cacontemporary.com Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com

Johannes Heuer - Nur nicht malen "Nur nicht malen": Unter diesem Titel stellt der Installations- Video- und Objektkünstler, Performer, Aquarellist, Zeichner und Maler Johannes Heuer in der Wiener Galerie C.A. Contemporary neue und bisher nicht gezeigte Arbeiten aus. Neben Objektkunst und zweiseitigen Kleinformaten in Mischtechnik werden auch grossformatige Tafelbilder zu sehen sein, die trotz Heuers originellem Zugang mit Fug und Recht als wichtige und höchst eigenständige Positionen der zeitgenössischen Malerei gelten können. Wir haben ihn in seinem Atelier in der Wiener Ankerbrotfabrik besucht und dazu befragt. Die Ausstellung "Johannes Heuer - Nur nicht malen" bei CA Contemporary in Wien öffnet am 20. April und läuft bis zum 30. Mai 2018. CA Contemporary | www.cacontemporary.com Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com

Axel Hütte. Imperial - Majestic - Magical Was liegt dort hinter dem Horizont? Wie geht es neben dem Bildausschnitt weiter? Was kommt da noch? Axel Hüttes Bilder wecken im Betrachter den unbestimmten Wunsch, mehr erkennen zu können. Axel Hütte (*1951, Essen) zählt zu den führenden Protagonisten der aktuellen Landschaftsfotografie und hat laut dem Kurator der Ausstellung, Florian Steininger, einen essentiellen Beitrag zum Selbstbewusstsein des Mediums Fotografie in der bildenden Kunst ab den späten 1970er-Jahren geleistet. Axel Hütte war Student von Bernd und Hilla Becher, den Begründern der Düsseldorfer Fotoschule an der Kunstakademie Düsseldorf. Diese prägte international die Fotografie, darunter neben Axel Hütte auch Studienkollegen wie Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff und Thomas Struth. Seit 1979 stellt Hütte in Galerien und Museen weltweit aus. Die Kunsthalle Krems zeigt nun die erste umfassende Ausstellung von Axel Hüttes fotografischem Werk in Österreich. In der Schau wird ein Dialog zwischen älteren Zyklen und neueren Werkblöcken präsentiert. Eigens für die Kunsthalle Krems entstand ein Werkzyklus von imperialen Bauten und Räumen, aufgenommen in Österreich: Stift Melk, Stift Admont, Stift Altenburg, Stift St. Florian, das Belvedere, Prinz Eugens Winterpalais oder das Hotel Sacher. Auch zwei neuere Videoarbeiten des Künstlers sind in der Ausstellung zu sehen, sowie Portraits, etwa von Künstlerkollegen wie Jeff Koons, Albert Oehlen oder Katharina Fritsch. Seit seinen ersten Landschaftsserien umkreist Hütte die Grundzüge einer eigenständigen Ästhetik. Die Landschaft ist dabei ein relativ ungewöhnliches Genre in der heutigen Zeit, die offenkundig malerische Ästhetik definiert sein Werk und wird zu seinem Markenzeichen. Wie die großen Landschaftsmaler löst Axel Hütte die Landschaften aus ihrem Kontext, strukturiert den Bildausschnitt in verschiedene Abstufungen, in klar strukturierte Felder. Das Gefühl der Nicht-Endlichkeit des Bildes und die Brüchigkeit der materiellen Grenzen sind charakteristisch für Hüttes Landschaftsbilder, die alle vordergründigen sinnlichen Reize vermeiden. Hütte versucht in seinen Fotografien das Unerreichbare der Natur einzufangen. Seine enormen Formate von formale Perfektion und außergewöhnlicher Detailliertheit verzichten auf menschliche Anwesenheit und dekonstruieren die Wirklichkeit bis hin zu einem fast abstrakten Blick. Die Züge der Natur in seinem Werk streifen am Abstrakten, in diesen bleiernen, menschenleeren, trostlosen Landschaften kann man immer noch so etwas wie eine nordische Romantik hineinlesen. Ein Romantiker ist Hütte nach eigenen Worten jedoch nicht, auch wenn er mit den Elementen der romantischen Malerei - Wolken und Nebel - arbeitet. Er will das einfangen, „was nie aufgenommen wurde, die Realität einfangen, die nur zwischen den Zeilen lesbar wird.“ Hütte reist mitunter Tausende Kilometer, um mit seiner schweren Plattenkamera seine Motive einzufangen. Die Landschaften mit ihren dichten Atmosphären und ungewöhnlichen Perspektiven erinnern mitunter an fernöstliche Landschaftsmalerei. Wer möchte, kann sich beim Betrachten der Bilder Spekulationen über kunsthistorische Bezüge hingeben und Parallelen zu den Meistern der europäischen Kunstgeschichte finden, wie William Turner oder Caspar David Friedrich. In seinen bleiernen Landschaften, die keine Präsenz außer den diffusen Umrissen der Natur aufweisen, versucht Hütte nach eigenen Worten „das Abstrakte zu vermeiden“, obwohl er sich ihm annähert. Die Fotografie soll kein fertiges Dokument, sondern eine Erforschung des Unerreichbaren sein. Die Fotografie ist bei Axel Hütte wie eine Sprache, in der sich viele Dinge nicht sagen lassen, doch ihre Zwischenräume und Leerstellen werden von der Vorstellungskraft ausgefüllt. Sie schärft die Aufmerksamkeit des Betrachters. (Text: Cem Angeli) Die Ausstellung ist geöffnet bis 10. Juni 2018. Kunsthalle Krems | www.kunsthalle.at CastYourArt | www.castyourart.com

Axel Hütte. Imperial - Majestic - Magical Was liegt dort hinter dem Horizont? Wie geht es neben dem Bildausschnitt weiter? Was kommt da noch? Axel Hüttes Bilder wecken im Betrachter den unbestimmten Wunsch, mehr erkennen zu können. Axel Hütte (*1951, Essen) zählt zu den führenden Protagonisten der aktuellen Landschaftsfotografie und hat laut dem Kurator der Ausstellung, Florian Steininger, einen essentiellen Beitrag zum Selbstbewusstsein des Mediums Fotografie in der bildenden Kunst ab den späten 1970er-Jahren geleistet. Axel Hütte war Student von Bernd und Hilla Becher, den Begründern der Düsseldorfer Fotoschule an der Kunstakademie Düsseldorf. Diese prägte international die Fotografie, darunter neben Axel Hütte auch Studienkollegen wie Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff und Thomas Struth. Seit 1979 stellt Hütte in Galerien und Museen weltweit aus. Die Kunsthalle Krems zeigt nun die erste umfassende Ausstellung von Axel Hüttes fotografischem Werk in Österreich. In der Schau wird ein Dialog zwischen älteren Zyklen und neueren Werkblöcken präsentiert. Eigens für die Kunsthalle Krems entstand ein Werkzyklus von imperialen Bauten und Räumen, aufgenommen in Österreich: Stift Melk, Stift Admont, Stift Altenburg, Stift St. Florian, das Belvedere, Prinz Eugens Winterpalais oder das Hotel Sacher. Auch zwei neuere Videoarbeiten des Künstlers sind in der Ausstellung zu sehen, sowie Portraits, etwa von Künstlerkollegen wie Jeff Koons, Albert Oehlen oder Katharina Fritsch. Seit seinen ersten Landschaftsserien umkreist Hütte die Grundzüge einer eigenständigen Ästhetik. Die Landschaft ist dabei ein relativ ungewöhnliches Genre in der heutigen Zeit, die offenkundig malerische Ästhetik definiert sein Werk und wird zu seinem Markenzeichen. Wie die großen Landschaftsmaler löst Axel Hütte die Landschaften aus ihrem Kontext, strukturiert den Bildausschnitt in verschiedene Abstufungen, in klar strukturierte Felder. Das Gefühl der Nicht-Endlichkeit des Bildes und die Brüchigkeit der materiellen Grenzen sind charakteristisch für Hüttes Landschaftsbilder, die alle vordergründigen sinnlichen Reize vermeiden. Hütte versucht in seinen Fotografien das Unerreichbare der Natur einzufangen. Seine enormen Formate von formale Perfektion und außergewöhnlicher Detailliertheit verzichten auf menschliche Anwesenheit und dekonstruieren die Wirklichkeit bis hin zu einem fast abstrakten Blick. Die Züge der Natur in seinem Werk streifen am Abstrakten, in diesen bleiernen, menschenleeren, trostlosen Landschaften kann man immer noch so etwas wie eine nordische Romantik hineinlesen. Ein Romantiker ist Hütte nach eigenen Worten jedoch nicht, auch wenn er mit den Elementen der romantischen Malerei - Wolken und Nebel - arbeitet. Er will das einfangen, „was nie aufgenommen wurde, die Realität einfangen, die nur zwischen den Zeilen lesbar wird.“ Hütte reist mitunter Tausende Kilometer, um mit seiner schweren Plattenkamera seine Motive einzufangen. Die Landschaften mit ihren dichten Atmosphären und ungewöhnlichen Perspektiven erinnern mitunter an fernöstliche Landschaftsmalerei. Wer möchte, kann sich beim Betrachten der Bilder Spekulationen über kunsthistorische Bezüge hingeben und Parallelen zu den Meistern der europäischen Kunstgeschichte finden, wie William Turner oder Caspar David Friedrich. In seinen bleiernen Landschaften, die keine Präsenz außer den diffusen Umrissen der Natur aufweisen, versucht Hütte nach eigenen Worten „das Abstrakte zu vermeiden“, obwohl er sich ihm annähert. Die Fotografie soll kein fertiges Dokument, sondern eine Erforschung des Unerreichbaren sein. Die Fotografie ist bei Axel Hütte wie eine Sprache, in der sich viele Dinge nicht sagen lassen, doch ihre Zwischenräume und Leerstellen werden von der Vorstellungskraft ausgefüllt. Sie schärft die Aufmerksamkeit des Betrachters. (Text: Cem Angeli) Die Ausstellung ist geöffnet bis 10. Juni 2018. Kunsthalle Krems | www.kunsthalle.at CastYourArt | www.castyourart.com

The Director's Choice - Photography from the Albertina Collection In the new photography exhibition there are 120 pictures of the Albertina‘s photography collection on display, chosen by director Klaus Albrecht Schröder according to his own taste. His aim was to „bring the photographs into a dialogue.“ The exhibition provides for a new look into the vast photographic collection of the museum, the works give an overlook on different genres, like architecture-, portrait- or landscape photography, as well an outlook on important trends in photography. In addition to important treasures of the history of photography that were already in the graphical collection of the Albertina since 1850, the museum received two other large inventories: As a permanent loan of the Ludwig foundation for art and science, the archive of the Karl Robert Langewiesche publishing house was handed over, comprising around 13.000 photographs. The collection of the Education and Research Institute for Graphics was handed over to the Albertina in 2000, also as a permanent loan. It contains 70.000 pictures, 15.000 books, numerous cameras and other photography equipment. Important protagonists of Austrian photography were educated there, like Rudolf Koppitz, Anton Josef Trcka, Karel Novak or Trude Fleischmann, some of their works are also on display in this show. Due to the intensive collecting activities in the years after the foundation of the photography collection in 1999, further thematic focus points were established, like street photography for example. One of the exponents of street photography, Robert Frank, has been exhibited recently in the Albertina, in this show his work can be viewed in a new context. Other famous works, like the dance photographs by Rudolf Koppitz -reminding of paintings- or the sensual snow landscapes by Wilhelm Angwerer remain to be discovered under the viewpoint of the director‘s choice. New additions to the collection like Lisette Model,Helen Levitt and Alfred Seiland broaden and complete the exhibition. The realistic representations of Erwin Blumenfeld’s models or the grainy street photographs by William Klein represent a sharp contrast to the carefully staged images by O. Winston Link. The dialogue between the images pervades the exhibition, from the famous images of Vienna made by the Imperial printing office in the mid-19th century, up to the colorful American street sceneries, like the ones by William Eggleston or Stephen Shore. Chronology was not in the foreground in this exhibition, it is in the contrasts where some aspects reveal much more about the person behind the camera than about the subject before the camera. Even though the subjectivity of his selection cannot do justice to the vast variety of the collection, director Klaus Albrecht Schröder is convinced that « Director’s Choice » gives the viewer a chance to practice comparative observation – which, according to Schröder, is just as revealing about the exhibition as about himself. Albertina Museum | www.albertina.at A CastYourArt Production | www.castyourart.com

The Director's Choice - Photography from the Albertina Collection In the new photography exhibition there are 120 pictures of the Albertina‘s photography collection on display, chosen by director Klaus Albrecht Schröder according to his own taste. His aim was to „bring the photographs into a dialogue.“ The exhibition provides for a new look into the vast photographic collection of the museum, the works give an overlook on different genres, like architecture-, portrait- or landscape photography, as well an outlook on important trends in photography. In addition to important treasures of the history of photography that were already in the graphical collection of the Albertina since 1850, the museum received two other large inventories: As a permanent loan of the Ludwig foundation for art and science, the archive of the Karl Robert Langewiesche publishing house was handed over, comprising around 13.000 photographs. The collection of the Education and Research Institute for Graphics was handed over to the Albertina in 2000, also as a permanent loan. It contains 70.000 pictures, 15.000 books, numerous cameras and other photography equipment. Important protagonists of Austrian photography were educated there, like Rudolf Koppitz, Anton Josef Trcka, Karel Novak or Trude Fleischmann, some of their works are also on display in this show. Due to the intensive collecting activities in the years after the foundation of the photography collection in 1999, further thematic focus points were established, like street photography for example. One of the exponents of street photography, Robert Frank, has been exhibited recently in the Albertina, in this show his work can be viewed in a new context. Other famous works, like the dance photographs by Rudolf Koppitz -reminding of paintings- or the sensual snow landscapes by Wilhelm Angwerer remain to be discovered under the viewpoint of the director‘s choice. New additions to the collection like Lisette Model,Helen Levitt and Alfred Seiland broaden and complete the exhibition. The realistic representations of Erwin Blumenfeld’s models or the grainy street photographs by William Klein represent a sharp contrast to the carefully staged images by O. Winston Link. The dialogue between the images pervades the exhibition, from the famous images of Vienna made by the Imperial printing office in the mid-19th century, up to the colorful American street sceneries, like the ones by William Eggleston or Stephen Shore. Chronology was not in the foreground in this exhibition, it is in the contrasts where some aspects reveal much more about the person behind the camera than about the subject before the camera. Even though the subjectivity of his selection cannot do justice to the vast variety of the collection, director Klaus Albrecht Schröder is convinced that « Director’s Choice » gives the viewer a chance to practice comparative observation – which, according to Schröder, is just as revealing about the exhibition as about himself. Albertina Museum | www.albertina.at A CastYourArt Production | www.castyourart.com

The Director's Choice - Fotografie aus dem Albertina Museum In der neuen Fotoausstellung sind 120 Werke aus dem Bestand der Fotosammlung der Albertina zu sehen, die Direktor Klaus Albrecht Schröder nach eigenem Geschmack ausgewählt hat. Ihm ging es darum „die Fotos in einen Dialog zu bringen.“ Die Ausstellung bringt einen neuen Einblick in die umfangreichen fotografischen Sammlungsbestände des Museums, die Arbeiten ermöglichen sowohl einen Überblick über verschiedene Genres wie Porträt-, Architektur- und Landschaftsfotografie, als auch einen Einblick in wichtige fotografische Strömungen. Aufbauend auf bedeutende fotohistorische Schätze, die sich bereits seit 1850 in der grafischen Sammlung der Albertina befanden, erhielt das Haus weitere zwei große Bestände: Als Dauerleihgabe der Österreichischen Ludwig-Stiftung für Kunst und Wissenschaft übernahm sie das Archiv des deutschen Karl Robert Langewiesche Verlags, etwa 13.000 Fotografien. Die Sammlung der 1888 gegründeten höheren graphischen Lehr- und Versuchsanstalt in Wien kam im Jahr 2000 als Dauerleihgabe zur Albertina. Sie umfasst rund 70.000 Bilder, 15.000 Bücher, zahlreiche Kameras und fotografisches Zubehör. Wichtige Vertreter der österreichischen Fotografie wurden an der Anstalt ausgebildet, wie Rudolf Koppitz, Anton Josef Třcka, Karel Novák oder Trude Fleischmann, teilweise sind Werke von ihnen auch in dieser Schau sehen. Durch die intensive Sammlungstätigkeit in den Jahren nach der Gründung der Fotosammlung 1999 konnten weitere inhaltliche Schwerpunkte wie z.B. die Street Photography herausgebildet werden. Deren Vertreter Robert Frank war vor kurzem in der Albertina ausgestellt, hier kann man seine Arbeiten in einem neuen Kontext betrachten. Weiteres Bekanntes wie die berühmten, an Gemälde erinnernden Tanzfotografien von Rudolf Koppitz oder die sinnlichen Schneelandschaften von Wilhelm Angerer sind hier unter dem Blickwinkel der „Direktorsauswahl“ neu zu entdecken. Neuzugänge zur Sammlung, wie von Lisette Model, Helen Levitt und Alfred Seiland ergänzen und erweitern die Präsentation. Die realistischen Darstellungen der Modelle von Erwin Blumenfeld oder die unscharfen Straßenarbeiten von William Klein stehen im Kontrast zu den aufwendig inszenierten Arbeiten von O. Winston Link. Der Dialog zwischen den Bildern zieht sich von den bekannten Wien-Aufnahmen der K.k. Hof-und Staatsdruckerei aus der Mitte des 19. Jahrhunderts bis hin zu den farbigen Straßenszenen aus Amerika, wie die von William Eggleston oder Stephen Shore. Die Chronologie steht hier nicht im Vordergrund, in den Kontrasten der Ausstellung zeigen sich Aspekte, die ebenso viel über die Aufnehmenden hinter der Kamera wie über das Aufgenommene vor der Kamera aussagen. Obwohl der Subjektivismus seiner Auswahl der Bandbreite der Sammlung nicht gerecht werde, könne man laut Klaus Albrecht Schröder bei „Director’s Choice“ das vergleichende Sehen üben - was ebenso viel über die Ausstellung wie über ihn selbst aussage. (Text: Cem Angeli) Albertina Museum | www.albertina.at Eine CastYourArt Produktion | www.castyourart.com

Man Ray - Unconcerned but not indifferent When the Kunstforum made a survey among visitors in 2016, asking which artist should be exhibited, the majority was for Man Ray. In this first comprehensive retrospective of its kind in Austria, the Kunstforum now offers a view on the overall work of the artist, showing the stages of his career, the artistic development and of his biography. From New York he moved to Paris, then he had to flee the Nazi regime during the war and finally returned to Paris after the war where he died in 1976. Curator Lisa Ortner-Kreil put together more than 150 works, on loan from all over the globe, including painting, photographs, objects, drawings, collages, assemblages and films. Born in Philadelphia as Emanuel Radnitzky in 1890, Man Ray is considered an icon of the art of the 20th century, not only as a pioneer of photography but as a universal artist. In a playful way he used a great number of artistic media and techniques. Although he had ambitions of being recognized as a painter at first, he contributed decisively to the recognition of photography as art. As a true multimedia artist he transcended genre categories, working on sculptures and film in addition to painting and photography. As a Surrealist and avantgardist he revolutionised fashion, advertising and portrait photography. Besides works around 1914, influenced by Fauvism and Cubism, the Kunstforum exhibits even earlier drawings and also the painting „The Rope Dancer“ of 1916, together with a sketch. With Pablo Picasso and the Cubists he shared a great interest in primitivism, during his time in Paris he also met Surrealists like Andre Breton or Louis Aragon. His lifelong friendship with Marcel Duchamp produced a number of collaborations of the two artists. Today, many of Man Ray’s works are considered icons of Surrealism, like „Cadeau“ (1921), the iron with thumbtacks, -a „present“ by Man Ray for Erik Satie-, or the metronome with the eye, and of course the sewing machine wrapped in fabric (1920), one of the first of its kind, one that would become very influential for many artists, including Christo. Several famous pictures like "Le Violon d'Ingres" of 1924, with the naked rear of Kiki de Montparnasse, are also on display in the Kunstforum. Photographs in the exhibition show famous contemporaries like Coco Chanel, Picasso or Arnold Schönberg. Some of Man Ray’s muses and lovers are on his black and white photographs, there are also solarisation photographs, a technique he invented together with his assistant and lover Lee Miller. « Rayograohies », photographs without a camera, are also a hallmark of Man Ray’s work. Man Ray painted, drew, wrote, made films, desgined books and magazines and had great success as a fashion photographer. Countless front pages of „Vogue“ and „Harper’s Bazaar“ testify to this. He managed to combine painting and photography, to reconcile avantgardist experimentation and commercial photography, he liberated photography from its documentary function and elevated it to the status of an art form. The impressive versatility of Man Ray is demonstrated by the ease with which he combined his bohemian lifestyle with the work as a photographer of the upper crust and how he managed to move in different social environments. Remarkably, he was able not to get involved in all the conflicts and squabbles that went on within the avant-garde of his time. (written by Cem Angeli) The exhibition continues until June 24th in the Bank Austria Kunstfroum, Vienna, Kunstforum Wien | www.kunstforumwien.at A CastYourArt Production | www.castyourart.com